Als Diego Velázquez 1659 Merkur und Argus malte, näherte er sich dem Ende seiner Karriere, und dieses Werk gilt als eines seiner letzten mythologischen Themen. Besonders faszinierend an diesem Gemälde ist, dass es Velázquez' einzige bekannte Darstellung des ovidischen Mythos ist und in einer Zeit entstand, als der Künstler tief mit dem spanischen Königshof verbunden war. Die Provenienz des Gemäldes ist etwas mysteriös, da sie in königlichen Inventaren bis nach Velázquez' Tod nicht klar dokumentiert wurde, was seiner frühen Geschichte eine Aura der Ungewissheit verleiht.

Im Gegensatz zu seinen berühmteren mythologischen Gemälden, wie Die Schmiede des Vulkan, wurde dieses Werk nicht weit verbreitet kopiert oder in zeitgenössischen Quellen diskutiert, was es zu einem seltenen und etwas rätselhaften Stück in seinem Oeuvre macht. Der Moment, den Velázquez auswählt, ist der angespannte Augenblick, bevor Merkur, verkleidet als Hirte, den wachsamen Argus tötet, um Io zu befreien, wie in Ovids Metamorphosen erzählt. Merkur, mit seinem geflügelten Hut und dem Caduceus, sitzt neben dem Riesen Argus, der von Musik beruhigt und kurz davor ist, einzuschlafen. Die Komposition ist spärlich, mit den beiden Figuren, die sich vor einer gedämpften Landschaft isoliert befinden, das Drama entfaltet sich in ihren subtilen Gesten: Merkurs bereite Bereitschaft, Argus' schwere Augenlider.

Das kühle, silberne Licht und die zurückhaltende Farbpalette erinnern an die venezianische Tradition, doch Velázquez' Pinselstrich ist lockerer, atmosphärischer als die klaren Formen von beispielsweise Peter Paul Rubens' energischem Merkur und Argus von 1636. Hier ist die Gewalt suspendiert, die narrative Spannung wird durch die Stille vor dem Akt erhöht. Die frühe Geschichte des Gemäldes bleibt unklar, aber es wird allgemein angenommen, dass es für die spanischen Königlichen Sammlungen produziert wurde, wahrscheinlich zur Dekoration des Palastes Buen Retiro. Im Laufe der Jahrhunderte blieb Merkur und Argus in Spanien und durchlief verschiedene königliche Inventare, bevor es in den Besitz des Museo del Prado gelangte, wo es heute residiert.

Wissenschaftler haben lange über die genauen Umstände seines Auftrags sowie über seinen Platz innerhalb von Velázquez' spätem Stil debattiert, der durch zunehmende Freiheit und Subtilität geprägt ist. Trotz seiner relativen Unbekanntheit im Vergleich zu den größeren mythologischen Werken des Künstlers bietet dieses Gemälde einen seltenen Einblick in Velázquez' Faszination für den Mythos und seine Fähigkeit, die Erzählung in einen Moment psychologischer Tiefe zu destillieren.