Kein anderer Künstler kehrte so oft zum einsamen Drama des Ölbergs zurück wie El Greco. Mindestens fünf Versionen von Agonie im Garten sind erhalten geblieben, verstreut in Sammlungen von London bis Toledo, jede eine Variation derselben gequälten Wache. Die Persistenz dieses Themas in seinem Werk hat Wissenschaftler seit langem fasziniert: War es eine persönliche Hingabe, eine Antwort auf die Nachfrage der Mäzene oder eine Faszination für den Moment, in dem Göttlichkeit und menschliche Angst aufeinandertreffen? Die Antwort bleibt schwer fassbar, aber die Wiederholung selbst spricht von der tiefen Resonanz der Szene für El Greco. Das Gemälde zeigt Christus am Rande des Verrats, kniend im Gebet, während seine Jünger schlafen und die mit Fackeln beleuchtete Menge sich in der Ferne nähert.

Ein Engel descendiert und bietet einen Kelch an—das Symbol für das kommende Opfer Christi—während die Landschaft sich mit unnatürlichen Farben und Licht verformt. Die verlängerten Figuren, die unruhigen Pinselstriche und der stürmische Himmel sind Merkmale von El Grecos spätem Stil, der die Szene in eine fieberhafte Vision drängt. Im Gegensatz zu den ruhigen, ausgewogenen Kompositionen von Giovanni Bellini oder Andrea Mantegna zu demselben Thema, stürzt El Greco uns in die psychologische Qual des Moments, in dem die übernatürlichen und irdischen Welten scheinbar kollidieren. Die genauen Ursprünge dieser speziellen Agonie im Garten sind ungewiss; weder ihr Auftraggeber noch ihre frühe Reise sind fest dokumentiert.

Was klar ist, ist, dass das Gemälde zur reifen Periode des Künstlers in Toledo gehört, als sein unverwechselbarer Stil am intensivsten und persönlichsten war. Im Laufe der Jahrhunderte wurden Versionen dieses Themas von El Greco sowohl von Sammlern als auch von Kirchen geschätzt, manchmal falsch attribuiert oder mit Atelier-Repliken verwechselt. Heute ist jedes erhaltene Beispiel ein Zeugnis der unruhigen Vorstellungskraft des Malers und seiner einzigartigen Vision der spirituellen Krise.