Ningún otro artista regresó tan a menudo al solitario drama del Monte de los Olivos como El Greco. Al menos cinco versiones de La Agonía en el Huerto han sobrevivido, dispersas en colecciones desde Londres hasta Toledo, cada una una variación sobre la misma vigilia atormentada. La persistencia de este tema en su obra ha intrigado a los estudiosos durante mucho tiempo: ¿fue una devoción personal, una respuesta a la demanda de los mecenas o una fascinación por el momento en que la divinidad y el miedo humano se encuentran? La respuesta sigue siendo esquiva, pero la repetición en sí misma habla de la profunda resonancia de la escena para El Greco. La pintura captura a Cristo en el mismo borde de la traición, arrodillado en oración mientras sus discípulos duermen y la multitud iluminada por antorchas se acerca a lo lejos.

Un ángel desciende, ofreciendo un cáliz—el símbolo del sacrificio venidero de Cristo—mientras el paisaje se retuerce con colores y luces antinaturales. Las figuras alargadas, la pincelada inquieta y el cielo tempestuoso son características del estilo tardío de El Greco, empujando la escena hacia una visión febril. A diferencia de las composiciones calmadas y equilibradas de Giovanni Bellini o Andrea Mantegna sobre el mismo tema, El Greco nos sumerge en el tormento psicológico del momento, donde los mundos sobrenaturales y terrenales parecen chocar. Los orígenes exactos de esta particular Agonía en el Huerto son inciertos; ni su comitente ni su viaje inicial están firmemente documentados.

Lo que está claro es que la pintura pertenece al período maduro del artista en Toledo, cuando su estilo distintivo estaba en su forma más intensa y personal. A lo largo de los siglos, las versiones de este tema por El Greco han sido apreciadas tanto por coleccionistas como por iglesias, a veces mal atribuidas o confundidas con réplicas de estudio. Hoy en día, cada ejemplo sobreviviente es un testimonio de la imaginación inquieta del pintor y su visión única de la crisis espiritual.