Nenhum outro artista retornou tão frequentemente ao solitário drama do Monte das Oliveiras como El Greco. Pelo menos cinco versões de Agonia no Jardim sobreviveram, espalhadas em coleções de Londres a Toledo, cada uma uma variação sobre a mesma vigília assombrada. A persistência desse tema em sua obra há muito intriga os estudiosos: foi uma devoção pessoal, uma resposta à demanda dos patronos ou uma fascinação pelo momento em que a divindade e o medo humano se encontram? A resposta continua elusiva, mas a repetição em si fala da profunda ressonância da cena para El Greco. A pintura captura Cristo no limiar da traição, ajoelhado em oração enquanto seus discípulos dormem e a multidão iluminada por tochas se aproxima ao longe.

Um anjo desce, oferecendo um cálice—o símbolo do sacrifício que se aproxima de Cristo—enquanto a paisagem se contorce com cores e luzes antinaturais. As figuras alongadas, a pincelada inquieta e o céu tempestuoso são marcas do estilo tardio de El Greco, empurrando a cena para uma visão febril. Ao contrário das composições calmas e equilibradas de Giovanni Bellini ou Andrea Mantegna sobre o mesmo tema, El Greco nos lança no tormento psicológico do momento, onde os mundos sobrenaturais e terrenos parecem colidir. As origens exatas desta particular Agonia no Jardim são incertas; nem seu comitente nem sua jornada inicial estão firmemente documentados.

O que está claro é que a pintura pertence ao período maduro do artista em Toledo, quando seu estilo distintivo estava em sua forma mais intensa e pessoal. Ao longo dos séculos, versões deste tema por El Greco foram valorizadas tanto por colecionadores quanto por igrejas, às vezes mal atribuídas ou confundidas com réplicas de estúdio. Hoje, cada exemplo sobrevivente é um testemunho da imaginação inquieta do pintor e de sua visão única da crise espiritual.