Cuando Bartolomé Estebán Murillo pintó El Santo Jerónimo Penitente alrededor de 1650, estaba entrando en el período más codiciado de su carrera, y este tema era tan popular que el propio Murillo regresó a él en varias ocasiones. La imagen de Jerónimo en el desierto, desgarrado entre la carne y el espíritu, resonó profundamente en la España de la Contrarreforma, donde el sufrimiento de los santos se veía como un modelo de devoción. La versión de Murillo se admiró especialmente por su intimidad y humanidad, cualidades que la diferenciaron de los tratamientos más austeros o dramáticos de sus contemporáneos.

La fama de la pintura creció rápidamente, y pronto fue reconocida como una de las representaciones más conmovedoras del santo en Sevilla. En este momento, San Jerónimo se arrodilla en la soledad, su cuerpo envejecido expuesto y demacrado, aferrándose a una piedra con la que golpea su pecho en penitencia. Un cráneo reposa cerca, recordando la mortalidad, mientras que la Biblia abierta y la cruz débilmente iluminada insinúan la esperanza de la salvación. La suave luz de Murillo acaricia la carne de Jerónimo, suavizando la brutalidad de su automortificación e invitando al espectador a contemplar la lucha interna del santo.

A diferencia de la violenta tempestad del Jerónimo de Caravaggio, el santo de Murillo está absorto en una reflexión tranquila, casi tierna; su sufrimiento es real, pero también lo es su paz. El león, el legendario compañero de Jerónimo, está ausente aquí, enfocando toda la atención en la comunión solitaria del santo con Dios. La historia temprana precisa de esta pintura no está completamente documentada, pero es típica de las obras devocionales que Murillo produjo para las iglesias y coleccionistas privados de Sevilla durante la década de 1650. A lo largo de los siglos, El Santo Jerónimo Penitente ha sido admirado por su calidez y perspicacia psicológica, cualidades que ayudaron a establecer la reputación de Murillo mucho más allá de España.

Hoy, se erige como un testimonio de la capacidad del artista para combinar el realismo con el sentimiento espiritual, y sigue siendo un punto culminante de la colección donde ahora cuelga, invitando a los espectadores a ser testigos tanto de la fragilidad como de la fe de una de las figuras más perdurables del cristianismo.