Lorsque Bartolomé Estebán Murillo a peint Le Saint Jérôme Pénitent vers 1650, il entrait dans la période la plus recherchée de sa carrière, et ce sujet était si populaire que Murillo lui-même y est revenu plusieurs fois. L'image de Jérôme dans le désert, déchiré entre la chair et l'esprit, résonnait profondément dans l'Espagne de la Contre-Réforme, où la souffrance des saints était considérée comme un modèle de dévotion. La version de Murillo a été particulièrement admirée pour son intimité et son humanité, des qualités qui la distinguaient des traitements plus austères ou dramatiques de ses contemporains.

La renommée de la peinture a rapidement grandi, et elle a bientôt été reconnue comme l'une des représentations les plus touchantes du saint à Séville. À ce moment-là, Saint Jérôme est à genoux dans la solitude, son corps âgé exposé et émacié, tenant une pierre avec laquelle il frappe sa poitrine en pénitence. Un crâne repose à proximité, rappel de la mortalité, tandis que la Bible ouverte et la croix faiblement illuminée laissent entrevoir l'espoir du salut. La douce lumière de Murillo caresse la chair de Jérôme, adoucissant la brutalité de son automortification et invitant le spectateur à contempler la lutte intérieure du saint.

Contrairement à la violence tumultueuse du Jérôme de Caravaggio, le saint de Murillo est absorbé dans une réflexion calme, presque tendre ; sa souffrance est réelle, mais sa paix l'est aussi. Le lion, le compagnon légendaire de Jérôme, est absent ici, concentrant toute l'attention sur la communion solitaire du saint avec Dieu. L'histoire précise de cette peinture n'est pas entièrement documentée, mais elle est typique des œuvres dévotionnelles que Murillo a produites pour les églises et les collectionneurs privés de Séville durant les années 1650. Au fil des siècles, Le Saint Jérôme Pénitent a été admiré pour sa chaleur et sa perspicacité psychologique, des qualités qui ont contribué à établir la réputation de Murillo bien au-delà de l'Espagne.

Aujourd'hui, elle se dresse comme un témoignage de la capacité de l'artiste à allier réalisme et sentiment spirituel, et elle reste un point culminant de la collection où elle est désormais exposée, invitant les spectateurs à être témoins à la fois de la fragilité et de la foi de l'une des figures les plus durables du christianisme.