Lorsque Artemisia Gentileschi a peint Sainte Lucie en 1642, elle se trouvait à Naples, naviguant dans une ville déchirée par la peste et les bouleversements politiques. Cette œuvre se distingue comme l'une de ses rares commandes religieuses signées et datées de cette période, et elle a suscité des débats parmi les chercheurs : a-t-elle été créée pour l'église locale de Santa Lucia, ou pour un mécène privé cherchant protection contre la maladie ? L'incertitude est accentuée par le fait qu'aucun document contemporain de sa commande n'a survécu, laissant son histoire précoce enveloppée de mystère. Sainte Lucie, une martyre chrétienne primitive de Syracuse, est ici capturée dans le calme qui suit son épreuve. Plutôt que de se concentrer sur son martyr horrifique—on disait que ses yeux avaient été crevés—Gentileschi choisit un moment de sérénité et de résistance.

Le regard de Lucie est calme, ses mains tenant doucement une branche de palmier, le symbole traditionnel du martyre, tandis qu'une lueur douce illumine son visage contre un fond sombre. Contrairement aux représentations dramatiques, presque théâtrales de Domenichino ou Caravaggio, la Lucie de Gentileschi est marquée par un sens de dignité personnelle et de force intérieure, sa souffrance rendue avec empathie plutôt qu'avec du spectacle. Le parcours ultérieur de la peinture n'est connu que partiellement. Elle est apparue dans des collections napolitaines au XVIIIe siècle, mais son emplacement au cours des décennies précédentes reste introuvable.

Les chercheurs n'ont fermement attribué l'œuvre à Artemisia Gentileschi qu'au XXe siècle, reconnaissant sa maîtrise distinctive de la lumière et la profondeur psychologique de ses saints. Aujourd'hui, Sainte Lucie est célébrée comme un témoignage du style mûr de Gentileschi, reflétant à la fois son habileté technique et sa voix unique au sein du mouvement Baroque.