Quando Artemisia Gentileschi dipinse Santa Lucia nel 1642, si trovava a Napoli, navigando in una città lacerata dalla peste e dai tumulti politici. Quest'opera si distingue come una delle poche commissioni religiose firmate e datate di quel periodo, e ha suscitato dibattiti tra gli studiosi: è stata creata per la chiesa locale di Santa Lucia o per un mecenate privato in cerca di protezione dalla malattia? L'incertezza è accentuata dal fatto che non esistono registrazioni contemporanee della sua commissione, lasciando la sua storia iniziale avvolta nel mistero. Santa Lucia, una martire cristiana primitiva di Siracusa, è catturata qui nel tranquillo seguito della sua prova. Invece di concentrarsi sul suo orrendo martirio—si diceva che le avessero cavato gli occhi—Gentileschi sceglie un momento di serena resistenza.

Lo sguardo di Lucia è calmo, le sue mani stringono delicatamente un ramo di palma, il simbolo tradizionale del martirio, mentre una debole luce illumina il suo volto contro uno sfondo cupo. A differenza delle rappresentazioni drammatiche, quasi teatrali di Domenichino o Caravaggio, la Lucia di Gentileschi è segnata da un senso di dignità personale e forza interiore, la sua sofferenza rappresentata con empatia piuttosto che con spettacolo. Il viaggio successivo del dipinto è noto solo parzialmente. È riemerso in collezioni napoletane nel XVIII secolo, ma la sua posizione nelle decadi precedenti rimane non tracciata.

Gli studiosi hanno attribuito fermamente l'opera a Artemisia Gentileschi solo nel XX secolo, riconoscendo il suo distintivo uso della luce e la profondità psicologica dei suoi santi. Oggi, Santa Lucia è celebrata come una testimonianza dello stile maturo di Gentileschi, riflettendo sia la sua abilità tecnica che la sua voce unica all'interno del movimento Barocco.