Au cours de la dernière année de sa vie, Francisco de Zurbarán a peint Vierge et Enfant avec un Plat de Fruits, une œuvre qui se distingue parmi sa production tardive par sa tendresse inhabituelle et son intimité domestique. Contrairement à de nombreuses scènes religieuses plus austères de ses débuts, cette peinture s'attarde sur un moment calme, presque quotidien, entre mère et enfant. Les chercheurs ont longtemps noté que Zurbarán revenait à plusieurs reprises au thème de la Vierge et de l'Enfant, mais cette version—datée de 1659—est parmi ses derniers traitements et est souvent considérée comme une synthèse de son style mature.

La provenance de la peinture n'est pas entièrement documentée, mais sa date tardive la place à un moment où la fortune de Zurbarán était en déclin et les commandes devenaient rares. Zurbarán choisit non pas le moment de la révélation divine, mais une douce pause : la Vierge Marie, assise, regarde l'Enfant Christ, qui est sur ses genoux et tend la main vers un plat de fruits. Les fruits—pommes, poires et raisins—ne sont pas de simples natures mortes ; ils symbolisent l'innocence, la future Passion et l'Eucharistie. Le manteau bleu de Marie et la robe rouge, rendus dans la lumière claire et fraîche caractéristique de Zurbarán, l'ancrent à la fois en tant que mère et en tant que Reine du Ciel.

La simplicité et la directivité de la composition rappellent le réalisme tranquille de Murillo, mais les figures de Zurbarán restent plus sculpturales, leurs formes presque taillées dans l'ombre et la lumière. Le geste de l'enfant vers les fruits suggère sa nature duale : innocence espiègle et préfiguration du sacrifice. L'histoire précoce de la peinture reste quelque peu obscure ; aucun commandement original n'est enregistré, et il est probable que Zurbarán l'ait peinte pour le marché libre ou un cadre dévotionnel privé. Au fil des siècles, Vierge et Enfant avec un Plat de Fruits a traversé diverses collections espagnoles, son attribution étant parfois débattue en raison de sa douceur par rapport aux œuvres antérieures, plus sévères, de Zurbarán.

Aujourd'hui, la peinture est reconnue comme une œuvre tardive authentique, appréciée pour sa chaleur et son humanité, et elle est conservée au Museo del Prado, où elle offre un contrepoint tranquille aux toiles plus dramatiques de l'âge d'or espagnol. Dans le contexte de la carrière de Zurbarán, elle se dresse comme un témoignage de sa dévotion durable aux sujets sacrés, même si son style s'est adouci au cours de ses dernières années.