Quando Anthony van Dyck dipinse Achille tra le figlie di Licomede nel 1632, affrontò un tema che aveva affascinato artisti e mecenati per secoli: l'infanzia segreta del più grande eroe greco. La storia era particolarmente popolare tra le corti europee, che vi vedevano un'allegoria giocosa di travestimento e destino. La versione di Van Dyck è notevole per il suo tocco teatrale e per il modo in cui cattura il momento della rivelazione, una scena raramente rappresentata con tale immediatezza e drammaticità.

A differenza di molti dei suoi contemporanei, Van Dyck scelse di concentrarsi non sulle conseguenze, ma sul preciso istante in cui l'identità vera di Achille viene esposta. Il dipinto congela il mito in un momento di riconoscimento improvviso: Achille, travestito da ragazza tra le figlie del re Licomede per evitare la guerra di Troia, viene tradito dalla sua stessa natura. Ulisse, inviato a trovarlo, offre doni alle fanciulle: gioielli e sete, ma anche armi. Mentre le ragazze si allungano verso il lusso, Achille afferra istintivamente una spada, con una posa tesa e gli occhi all'erta.

Van Dyck utilizza un'esplosione di luce per mettere in risalto Achille, separandolo dalle figure più morbide e ombreggiate delle donne. La composizione ricorda il trattamento più contenuto dello stesso mito da parte di Nicolas Poussin, ma la versione di Van Dyck è carica di movimento ed emozione, enfatizzando l'energia inquieta dell'eroe. Le origini precise di questo dipinto rimangono in parte misteriose, poiché i registri della sua prima proprietà sono scarsi. È probabile che fosse parte di un incarico per un nobile mecenate, desideroso di mostrare sia erudizione che gusto per la narrazione drammatica.

Nel corso del tempo, Achille tra le figlie di Licomede ha viaggiato attraverso diverse collezioni private, la sua attribuzione a van Dyck è stata occasionalmente messa in discussione, ma ora è ampiamente accettata grazie all'analisi stilistica e al confronto con le sue altre opere mitologiche degli inizi degli anni '30 del '600. Oggi, il dipinto si erge come una testimonianza della capacità di Van Dyck di mescolare la narrazione classica con il dinamismo del Barocco, assicurando il suo posto nel canone della pittura narrativa del XVII secolo.