Когда Антони Ван Дейк написал Ахилла среди дочерей Ликомеда в 1632 году, он затронул тему, которая на протяжении веков fascinировала художников и меценатов: тайное детство величайшего греческого героя. Эта история была особенно популярна среди европейских дворов, которые видели в ней игривую аллегорию маскировки и судьбы. Версия Ван Дейка примечательна своим театральным стилем и тем, как она запечатлевает момент откровения — сцену, редко изображаемую с такой непосредственностью и драмой.

В отличие от многих своих современников, Ван Дейк решил сосредоточиться не на последствиях, а на самом мгновении, когда истинная идентичность Ахилла раскрывается. Картина замораживает миф в момент внезапного осознания: Ахиллес, замаскированный под девушку среди дочерей короля Ликомеда, чтобы избежать Троянской войны, предан своей природой. Улисс, посланный найти его, предлагает подарки девушкам — драгоценности и шелка, но также и оружие.

Пока девушки тянутся к роскоши, Ахиллес инстинктивно хватает меч, его поза напряжена, а глаза насторожены. Ван Дейк использует всплеск света, чтобы выделить Ахилла, отделяя его от более мягких, затененных фигур женщин. Композиция напоминает более сдержанное обращение Николя Пуссена к тому же мифу, но версия Ван Дейка наполнена движением и эмоциями, подчеркивая беспокойную энергию героя.

Точные истоки этой картины остаются несколько загадочными, так как записи о ее раннем владении скудны. Вероятно, она была частью заказа для благородного покровителя, стремившегося продемонстрировать как эрудицию, так и вкус к драматическому повествованию. Со временем Ахиллес среди дочерей Ликомеда прошел через несколько частных коллекций, его атрибуция Ван Дейку иногда ставилась под сомнение, но теперь широко принимается благодаря стилистическому анализу и сравнению с его другими мифологическими работами начала 1630-х годов.

Сегодня картина служит свидетельством способности Ван Дейка сочетать классическое повествование с динамичным стилем барокко, обеспечивая ей место в каноне живописи 17 века.