Quando Amedeo Modigliani exibiu Judia pela primeira vez em Paris em 1908, os críticos ficaram inquietos com sua representação crua e sem verniz. Esta foi a primeira pintura que ele assinou com seu próprio nome, marcando uma ruptura decisiva com sua formação acadêmica na Itália e sinalizando sua adesão à vanguarda parisiense. A identidade da modelo permanece desconhecida, mas o título e o estilo da obra geraram um debate sobre a própria herança judaica de Modigliani e o papel que desempenhou em sua arte.

Alguns contemporâneos o acusaram de distorção "bárbara", enquanto outros viram na pintura um ícone moderno. A mulher em Judia senta-se ereta, seu rosto alongado, com olhos em forma de amêndoa que parecem tanto distantes quanto em busca. O pincel de Modigliani achata os traços, enfatizando o nariz angular da modelo e seus lábios apertados, enquanto o fundo se dissolve em tons terrosos e suaves. Os contornos grossos e o rosto em forma de máscara evocam a escultura africana, que Modigliani admirava, mas também refletem a intensidade psicológica encontrada nos retratos de Paul Cézanne.

Ao contrário dos retratos tradicionais que lisonjeiam, esta obra confronta o espectador com a dignidade solene da modelo, seu olhar é tanto vulnerável quanto desafiador. O meio de Judia é incerto; alguns sugerem óleo sobre tela, outros acreditam que pode ser têmpera, mas sua data inicial a coloca no limiar do estilo maduro de Modigliani. A procedência da pintura não está totalmente documentada; passou por várias coleções privadas antes de entrar no domínio público. Hoje, é reconhecida como um ponto de virada na carreira de Modigliani, prenunciando os icônicos retratos e nus que se seguiriam.

Sua ousadia e ambiguidade continuam a convidar tanto à admiração quanto ao debate, tornando-a uma obra chave para entender a evolução do artista.