Когда Эжен Делакруа представил Смерть Офелии в 1848 году, он вступил в горячую дискуссию среди художников и писателей о судьбе трагической героини Шекспира. Этот год стал годом революции во Франции, и выбор Делакруа изобразить последние мгновения Офелии — только что увековеченные Джоном Эвереттом Миллеем в Англии — сигнализировал о fascination с психологическими глубинами романтической эпохи и соперничестве между французскими и британскими интерпретациями литературных икон. В отличие от Миллея, Делакруа не выставлял свою работу публично в то время, и медиум картины остается неопределенным, добавляя слой загадочности к ее истории. Делакруа запечатлел Офелию в тот самый момент, когда ее жизнь ускользает, окруженную запутанной дикой природой.

Ее тело плавает среди камышей и воды, лицо наклонено вверх, глаза полузакрыты, как будто она suspended между сознанием и забвением. Разбросанные цветы — маки, ромашки и фиалки — напоминают символический язык пьесы Шекспира, где каждый цветок говорит о невинности, горе и безумии. Мазки Делакруа свободные и взволнованные, цвета глубокие и мрачные, что отличает его видение от ясности прерафаэлитов Миллея.

Здесь драма заключается не только в судьбе Офелии, но и в беспокойной энергии самого пейзажа, который, кажется, скорбит и поглощает ее. Последующая история Смерти Офелии менее документирована, чем многие из основных работ Делакруа. Официальный покровитель не зафиксирован, и местонахождение картины на протяжении большей части девятнадцатого века остается неясным, некоторые ученые предполагают, что она могла оставаться в частных руках или в студии самого художника. Сегодня работа является свидетельством пожизненной увлеченности Делакруа литературными темами и его способности переводить психологические волнения в живопись.

Она часто обсуждается наряду с его другими сценами из Шекспира, отражая увлечение романтического движения пересечением искусства, литературы и эмоций.