Als Eugène Delacroix 1848 Der Tod der Ophelia enthüllte, trat er in eine hitzige Diskussion unter Künstlern und Schriftstellern über das Schicksal von Shakespeares tragischer Heldin ein. Das Jahr selbst war eines der Revolution in Frankreich, und Delacroixs Entscheidung, Ophelias letzte Momente zu malen—so kürzlich von John Everett Millais in England verewigt—signalisiert sowohl eine Faszination für die psychologischen Tiefen der romantischen Ära als auch eine Rivalität zwischen französischen und britischen Interpretationen literarischer Ikonen. Im Gegensatz zu Millais stellte Delacroix sein Werk damals nicht öffentlich aus, und das Medium des Gemäldes bleibt ungewiss, was seiner Geschichte eine Schicht von Geheimnis hinzufügt. Delacroix fängt Ophelia im genauen Moment ein, in dem ihr Leben entgleitet, umgeben von der verworrenen Wildheit der Natur.

Ihr Körper schwebt zwischen Schilfrohren und Wasser, ihr Gesicht nach oben geneigt, die Augen halb geschlossen, als wäre sie zwischen Bewusstsein und Vergessenheit schwebend. Die verstreuten Blumen—Mohnblumen, Gänseblümchen und Veilchen—erinnern an die symbolische Sprache von Shakespeares Stück, in dem jede Blüte von Unschuld, Trauer und Wahnsinn spricht. Delacroixs Pinselstrich ist locker und aufgeregt, die Farben tief und düster, was seine Vision von der präraffaelitischen Klarheit Millais unterscheidet.

Hier liegt das Drama nicht nur im Schicksal Ophelias, sondern in der unruhigen Energie der Landschaft selbst, die zu trauern und sie zu verschlingen scheint. Die nachfolgende Geschichte von Der Tod der Ophelia ist weniger gut dokumentiert als viele von Delacroix' Hauptwerken. Es ist kein offizieller Mäzen verzeichnet, und der Verbleib des Gemäldes während eines Großteils des 19. Jahrhunderts bleibt unklar, wobei einige Wissenschaftler vermuten, dass es möglicherweise in Privatbesitz oder im Atelier des Künstlers geblieben ist.

Heute steht das Werk als Zeugnis für Delacroixs lebenslangen Umgang mit literarischen Themen und seine Fähigkeit, psychologische Turbulenzen in Farbe zu übersetzen. Es wird oft zusammen mit seinen anderen Shakespeare-Szenen diskutiert, was die Faszination der romantischen Bewegung für die Schnittstelle von Kunst, Literatur und Emotion widerspiegelt.