Ce qui attire d'abord le regard dans Lamia, c'est le silence chargé entre le chevalier armé et la femme à ses pieds, sa peau pâle lumineuse contre le bois sombre et enchevêtré. Le chevalier se penche vers elle, son armure lourde contraste fortement avec ses épaules nues et sa robe fluide de teintes terreuses. Ses mains, délicates et presque tremblantes, s'élèvent vers son gant comme pour le maintenir dans le monde des vivants, ou peut-être pour l'attirer dans le sien.

La lumière se concentre sur son visage et son bras levés, nous guidant vers l'intensité de son regard et l'expression troublée du chevalier, qui regarde vers le bas. La forêt se rapproche, épaisse d'ombre, tandis que des roses fleurissent à la base du puits de pierre, suggérant à la fois beauté et danger dans ce moment d'enchantement. Peinte en 1905, cette œuvre appartient aux années crépusculaires des mouvements Préraphaélite et Symboliste, lorsque des artistes comme John William Waterhouse se sont tournés vers le mythe et la poésie pour des sujets qui brouillaient la frontière entre réalité et rêve. Ces peintures étaient souvent commandées ou collectionnées par ceux qui aspiraient à une vision de romance et de mystère, un monde à part du tumulte industriel de l'Angleterre édouardienne.

Le titre Lamia fait allusion à la source mythique ou littéraire—peut-être le poème de Keats, avec son amour fatal entre un mortel et une enchanteresse—pourtant, l'histoire a laissé peu de traces du parcours de cette peinture en particulier. Ce qui reste, c'est la tension de la scène elle-même : une rencontre suspendue entre désir et perte, invitant le spectateur à s'attarder sur chaque détail et à imaginer l'histoire qui pourrait se dérouler.