La légende de Saint Georges et le dragon a inspiré d'innombrables artistes, mais peu l'ont abordée avec l'énergie sauvage de Eugène Delacroix en 1847, à l'apogée du mouvement Romantique. Ce qui distingue cette version est la décision de Delacroix de revisiter le sujet à l'âge mûr, longtemps après ses traitements antérieurs, plus classiques, du mythe. Ici, il canalise la fascination du mouvement pour l'héroïsme et le chaos, créant une scène qui pulse de danger et d'espoir.

Le médium exact de la peinture reste incertain, ajoutant une couche de mystère à sa présence déjà dramatique. Delacroix capture l'instant où Saint Georges, monté sur un cheval blanc cabré, plonge sa lance dans le corps tordu du dragon. Le manteau rouge du saint flotte, résonnant avec la forme contorsionnée de la bête, tandis qu'une princesse terrifiée se recroqueville à l'arrière-plan, rappelant le coût humain en jeu. La lumière tranche à travers la toile, mettant en lumière le choc entre l'homme et le monstre, et plongeant le paysage environnant dans le tumulte.

Les écailles vertes du dragon et ses mâchoires béantes sont rendues avec une férocité rappelant les propres dragons de Rubens, mais le coup de pinceau de Delacroix est plus lâche, plus agité, soulignant l'émotion plutôt que la précision. La chaîne autour du cou du dragon fait allusion aux thèmes de captivité et de délivrance de la légende. L'histoire ultérieure de Saint Georges combattant le dragon est moins bien documentée que son sujet dramatique. Elle a probablement été peinte pour un collectionneur privé plutôt que pour une commande publique, reflétant l'indépendance croissante de Delacroix dans les années 1840.

Au fil du temps, l'œuvre a passé par plusieurs mains, son emplacement étant parfois incertain, mais elle se dresse désormais comme un témoignage du style tardif de Delacroix et de sa fascination pour la lutte mythique. Aujourd'hui, elle reste un exemple vivant de la capacité de la peinture Romantique à mêler narration, couleur et mouvement en une seule image inoubliable.