En 1646, Nicolas Poussin a peint La Crucifixion à la demande du noble romain Giambattista Pamphilj, qui allait bientôt devenir le Pape Innocent X. La commande faisait partie d'une campagne plus large pour décorer la chapelle de la famille Pamphilj, et Poussin, déjà renommé pour ses compositions rigoureuses, a été choisi parmi plusieurs contemporains italiens. Cette œuvre se distingue parmi les peintures religieuses de Poussin par sa rare intensité émotionnelle, un aspect qui a même surpris ses admirateurs.

Le sort de la peinture est resté inconnu pendant une période au XVIIIe siècle, alimentant les spéculations et lui conférant un air de mystère parmi les collectionneurs et les érudits. Au centre de La Crucifixion, le corps du Christ pend devant un ciel sombre et désolé, ses bras étendus dans un geste à la fois d'angoisse et de reddition. Au pied de la croix, Marie Madeleine s'effondre dans le chagrin, sa robe rouge faisant écho au sang qui tache les pieds du Christ, tandis que la Vierge Marie et Saint Jean l'encadrent, leurs visages tournés vers le ciel dans une silencieuse angoisse. Poussin dispose les figures en une bande semblable à un frise, une caractéristique de son approche classique, mais le drame est intensifié par le fort contraste entre lumière et ombre : l'illumination divine tombe sur le Christ, le séparant des pleureurs en dessous.

Contrairement à la Descente de la Croix de Rubens, qui est tourbillonnante et musclée, la scène de Poussin est figée au moment de la mort, invitant à la contemplation plutôt qu'à l'action. Bien que le patronage original soit bien documenté, l'histoire ultérieure de La Crucifixion est moins claire. La peinture a refait surface au XIXe siècle dans une collection privée en France, et elle a depuis été attribuée à Poussin avec un consensus quasi universel, grâce à son inimitable rigueur compositionnelle et sa palette. Aujourd'hui, elle réside dans un grand musée européen, où elle est reconnue comme une œuvre tardive de la période romaine de Poussin, une époque où il se tournait de plus en plus vers des thèmes religieux.

La peinture est souvent étudiée pour sa synthèse de la retenue classique et de la gravité émotionnelle, marquant un moment significatif dans le développement de la peinture baroque française.