Peu de peintures de Artemisia Gentileschi ont suscité autant de débats académiques que Vénus Étreignant Cupidon. Alors que ses toiles de Judith sont célèbres pour leur violence et leur drame, cette œuvre se distingue par sa tendresse — et par l'incertitude qui entoure sa commande et son propriétaire original. Aucun document survivant ne la lie à un mécène spécifique, et le médium de la peinture lui-même reste un mystère, alimentant les spéculations sur le fait qu'elle était destinée à une chambre privée ou à un cadre public plus grand.

Le manque de dossiers précoces a conduit certains à se demander si l'œuvre a été mal attribuée pendant des années, comme cela se produisait souvent avec les sujets plus sensuels de Gentileschi. Au cœur de la peinture, Gentileschi capture le moment mythique où Vénus, déesse de l'amour, enveloppe son fils Cupidon dans une étreinte protectrice et intime. Les deux figures sont prises dans un doux enchevêtrement : les bras de Vénus se courbent autour des épaules de Cupidon, son regard est doux mais autoritaire, tandis que Cupidon, l'arc mis de côté, se penche vers son toucher. Les bijoux — le collier de perles de Vénus, le carquois doré de Cupidon — signalent leur statut divin, mais la chaleur de leur peau et le jeu de lumière sur leurs corps les ancrent dans une tendresse humaine.

Contrairement aux scènes plus ludiques de Vénus et Cupidon de Titien, Gentileschi choisit de ne pas mettre l'accent sur l'érotisme, mais plutôt sur un moment d'affection et de guidance maternelle, suggérant peut-être ses propres expériences en tant que femme et mère dans l'Italie du XVIIe siècle. L'histoire ultérieure de Vénus Étreignant Cupidon est aussi insaisissable que ses origines. L'emplacement de la peinture était largement inconnu jusqu'au XXe siècle, lorsqu'elle a refait surface dans une collection privée européenne et a été attribuée à Gentileschi par comparaison stylistique avec ses œuvres authentifiées. Aujourd'hui, elle est reconnue comme un exemple significatif de son style tardif, marqué par un modelage plus doux et une palette plus contenue que ses récits précédents, plus dramatiques.

Le manque de documentation n'a pas diminué son importance : elle se dresse comme un témoignage de l'éventail de Gentileschi et des efforts continus pour récupérer et réattribuer des œuvres d'artistes femmes de la période Baroque.