Poche pitture di Artemisia Gentileschi hanno suscitato tanto dibattito quanto Maria Maddalena in meditazione, dipinta intorno al 1620. Gli studiosi si interrogano ancora se questa immagine inquietante sia stata creata per un committente privato o come opera speculativa per il mercato aperto, una mossa rara per un'artista donna nell'Italia del primo Seicento. La provenienza incerta del dipinto ha solo accresciuto il suo fascino, con almeno altre tre versioni attribuite a Gentileschi o al suo laboratorio, ognuna con sottili differenze nella posa e nell'umore.

Questa proliferazione di Maddalene parla della popolarità del soggetto e della stessa fascinazione dell'artista per la santa pentita. Nel momento che Gentileschi sceglie di catturare, Maria Maddalena è seduta da sola, con lo sguardo rivolto verso il basso, le mani unite in contemplazione. I capelli sciolti della santa e il suo sontuoso abito accennano al suo passato come donna del mondo, mentre i gioielli abbandonati e il libro aperto al suo fianco segnalano la sua rinuncia ai piaceri terreni. Una sola luce forte scolpisce la sua figura dall'oscurità, illuminando il volto rigato di lacrime e la spalla nuda, un approccio che ricorda Caravaggio, ma con un'intensità psicologica tutta sua.

Dove altri artisti, come Tiziano nella sua propria Maddalena penitente, enfatizzano la bellezza sensuale o la visione estatica, Gentileschi si concentra sulla lotta silenziosa e interiore del pentimento. La storia fisica di Maria Maddalena in meditazione è tanto oscura quanto il suo soggetto. Non esiste documentazione antica che confermi il suo primo proprietario, e il medium del dipinto stesso rimane un argomento di dibattito tra i conservatori. Nel corso dei secoli, è passata attraverso mani private e attribuzioni, a volte accreditata al padre di Artemisia, Orazio Gentileschi, o a seguaci.

Oggi, il dipinto è riconosciuto come un'opera chiave del periodo romano maturo di Artemisia Gentileschi, quando stava stabilendo la sua reputazione come una delle principali pittrici del Barocco. Il suo potere duraturo risiede nel modo in cui cattura sia il dramma della fede che la complessità della donna che lo ha dipinto.