Nessuno spettacolo nella Roma dell'inizio dell'Ottocento attirava folle con un entusiasmo così febbrile quanto la corsa di cavalli selvaggi del Carnevale, la corsa dei barberi. Quando Théodore Géricault visitò la città nel 1817, rimase affascinato da questa tradizione pericolosa: cavalli senza cavaliere, frustati fino alla follia, che tuonano lungo la Via del Corso mentre la gente ruggisce. Géricault, già ossessionato dal potere e dall'imprevedibilità dei cavalli, trovò in questo evento un simbolo vivente sia di libertà che di caos.

Il dipinto Cavalli senza cavaliere a Roma è uno dei vari studi che realizzò, ognuno dei quali si sforzava di catturare il momento in cui i cavalli, appena liberati, si lanciano in avanti — indomiti e ingovernabili. Géricault sceglie di congelare l'istante della liberazione, quando i cavalli, muscoli tesi e occhi selvaggi, esplodono dalla linea di partenza. L'assenza di cavalieri non è un caso: nella corsa dei barberi, i cavalli correvano da soli, le loro briglie adornate con nastri e, a volte, palle chiodate per stimolarli. Nella pittura, l'energia frenetica degli animali domina, i loro corpi si sovrappongono in un groviglio di zampe e crini, mentre una folla di spettatori si spinge dietro la barriera.

La luce cade bruscamente sui fianchi dei cavalli, evidenziando la loro tensione e il pericolo del momento. A differenza delle calme e ordinate parate di cavalli nelle opere neoclassiche di Jacques-Louis David, la visione di Géricault è tutta movimento e rischio — un assaggio della fascinazione del movimento romantico per l'indomito. Il mezzo esatto di quest'opera è incerto, e la sua storia precoce rimane in parte oscura, ma è chiaro che Cavalli senza cavaliere a Roma appartiene a un periodo cruciale nella carriera di Géricault. Dipinta durante il suo soggiorno in Italia, segna il suo crescente interesse per l'anatomia animale e la sua rottura con le convenzioni accademiche.

Il soggetto riecheggerà in opere successive, inclusa la sua monumentale The Raft of the Medusa, dove energia selvaggia e dramma umano si scontrano. Oggi, il dipinto è riconosciuto come un collegamento vitale tra il romanticismo francese e la ricerca di tutta la vita dell'artista di catturare la forza grezza della natura. Il suo viaggio attraverso le collezioni riflette le fortune mutevoli della reputazione di Géricault, che è cresciuta solo dopo la sua prematura morte all'età di 32 anni.