Academicismo: a pintura acadêmica do século XIX

O academicismo é a pintura feita segundo os padrões oficiais e os princípios de gosto das academias de arte da Europa e da América, como define o vocabulário de arte do Getty. A National Gallery, de Londres, diz que a arte promovida pelas academias se inspirava na arte antiga e em pintores clássicos como Rafael, e que a pintura histórica era considerada sua forma mais elevada. O estilo também se chama arte acadêmica, e seu grande momento foi de meados ao fim do século XIX, quando o sucesso no Salão de Paris podia fazer a carreira de um pintor.

Fontes: Getty AAT: academic art · National Gallery (Londres): Art academies (glossário) · National Gallery (Londres): The Salon (glossário) · Tate Etc: The nude stripped bare · Museu d’Orsay (Google Arts & Culture)

As pinturas acadêmicas são cuidadosamente desenhadas e têm acabamento liso, com temas sérios: a história, os mitos, a Bíblia e o nu idealizado. O Clark Art Institute descreve o acabamento de Bouguereau como tão liso que as pinceladas quase não se veem, maneira que os críticos da época chamavam de léché, “lambida”, e diz que essas grandes telas eram preparadas com muitos desenhos e um estudo pintado, como se ensinava na Escola de Belas-Artes de Paris. O Museu d’Orsay descreve o estilo neogrego de Gérôme como o gosto pelo acabamento minucioso, pelas cores pálidas e pela pincelada lisa.

Fontes: Clark Art Institute: Nineteenth-Century European Paintings, cat. 33 · Museu d’Orsay (Google Arts & Culture) · National Gallery (Londres): Art academies (glossário)

As academias eram antigas: a Academia Real de Pintura e Escultura da França foi fundada em 1648. O academicismo teve seu auge de meados ao fim do século XIX, quando, diz o Museu d’Orsay, o Salão de Paris era a única exposição, ao mesmo tempo popular e oficial, em que os artistas podiam tornar sua obra conhecida. Em meados do século XIX, segundo a Tate, as academias tinham se tornado muito conservadoras e usavam o controle das grandes exposições para resistir ao naturalismo, ao realismo e ao impressionismo; os artistas então criaram outras exposições e galerias particulares, e “acadêmico” passou a significar conservador ou antiquado.

Fontes: Museu d’Orsay (Google Arts & Culture) · Tate: Academy

Os pintores acadêmicos mais conhecidos foram os franceses William Bouguereau, Alexandre Cabanel e Jean-Léon Gérôme. O Museu de Belas Artes de Houston chama Bouguereau de pintor acadêmico bem-sucedido por excelência; O Nascimento de Vênus, de Cabanel, foi um dos grandes sucessos do Salão de 1863, onde Napoleão III o comprou; e Gérôme, aluno do pintor acadêmico Paul Delaroche, estreou com brilho no Salão de 1847, diz o Museu d’Orsay. Thomas Couture, Jules Lefebvre e Édouard Detaille também fizeram carreira no Salão, e Franz Xaver Winterhalter pintou as cortes reais da Europa. No Brasil, destacaram-se Victor Meirelles e Pedro Américo.

Fontes: Museu de Belas Artes de Houston (Google Arts & Culture) · Museu d’Orsay (Google Arts & Culture) · Museu d’Orsay (Google Arts & Culture) · Museu d’Orsay (Google Arts & Culture) · National Gallery of Victoria (Google Arts & Culture) · Museu d’Orsay (Google Arts & Culture) · Museo Napoleonico (Roma) (Google Arts & Culture) · Enciclopédia Itaú Cultural: Academia Imperial de Belas Artes (Aiba)

Entre as pinturas acadêmicas mais conhecidas no mundo estão os dois Nascimentos de Vênus, o de Cabanel (1863), comprado por Napoleão III no Salão, e o de Bouguereau (1879), ambos no Museu d’Orsay; Madame X (1883–1884), de John Singer Sargent, no Metropolitan Museum of Art; Ninfas e Sátiro (1873), de Bouguereau, no Clark Art Institute; Pollice Verso (1872), de Gérôme, no Museu de Arte de Phoenix; e A Batalha de Grunwald (1878), de Jan Matejko, a maior pintura do Museu Nacional de Varsóvia. Os Romanos da Decadência (1847), de Couture, também no Orsay, é o grande exemplo de pintura histórica.

Fontes: Museu d’Orsay (Google Arts & Culture) · Clark Art Institute: Nineteenth-Century European Paintings, cat. 33 · Metropolitan Museum of Art (Google Arts & Culture) · Museu de Arte de Phoenix: Pollice Verso · Museu Nacional de Varsóvia (Google Arts & Culture) · Museu d’Orsay (Google Arts & Culture)

A Academia Imperial de Belas Artes, criada no Rio de Janeiro em 1826 a partir da Missão Artística Francesa de 1816, inaugurou o ensino artístico no Brasil nos moldes das academias europeias, diz a Enciclopédia Itaú Cultural. A arte feita ali seguia modelos neoclássicos e românticos aclimatados ao país: as paisagens predominaram, apesar da hierarquia dos gêneros, e a pintura histórica ajudou a construir uma iconografia do Império sob dom Pedro II, com emblemas como o indígena. A Academia criou as Exposições Gerais de Belas Artes em 1840 e os prêmios de viagem à Europa em 1845; com a República, passou a se chamar Escola Nacional de Belas Artes.

Fontes: Enciclopédia Itaú Cultural: Academia Imperial de Belas Artes (Aiba) · Enciclopédia Itaú Cultural: Victor Meirelles · Enciclopédia Itaú Cultural: Missão Artística Francesa

As mais famosas são pinturas históricas da Academia Imperial de Belas Artes. A Primeira Missa no Brasil (1860), de Victor Meirelles, hoje no Museu Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro, foi vista por muitos intelectuais do século XIX como a primeira grande obra de arte brasileira. A Batalha dos Guararapes, de Meirelles, e a Batalha do Avaí, de Pedro Américo, expostas lado a lado na Exposição Geral de 1879, provocaram grande polêmica, e Independência ou Morte (1888), de Pedro Américo, está no Museu Paulista. Entre os temas indianistas estão Moema (1866), de Meirelles, e O Último Tamoio (1883), de Rodolfo Amoedo.

Fontes: Enciclopédia Itaú Cultural: Primeira Missa no Brasil · Enciclopédia Itaú Cultural: Victor Meirelles · Enciclopédia Itaú Cultural: Independência ou Morte · Enciclopédia Itaú Cultural: Academia Imperial de Belas Artes (Aiba)

O academicismo francês é a pintura ensinada e premiada pelas instituições oficiais de arte da França: a Academia Real de Pintura e Escultura, fundada em 1648 e rebatizada de Academia de Belas-Artes depois da Revolução, a Escola de Belas-Artes de Paris, onde se formaram pintores como Bouguereau, e o Salão. Os jovens pintores disputavam o Prêmio de Roma, que abria as portas da Villa Médici, em Roma; Bouguereau não o ganhou em 1848 nem em 1849, diz o Museu d’Orsay. Depois, o aplauso no Salão era o que mais importava para a carreira de um pintor, segundo a National Gallery, de Londres.

Fontes: Tate: Academy · Clark Art Institute: Nineteenth-Century European Paintings, cat. 33 · Museu d’Orsay (Google Arts & Culture) · Museu d’Orsay (Google Arts & Culture) · National Gallery (Londres): The Salon (glossário)

O Salão era a exposição oficial de arte de Paris, organizada pela Academia Real francesa e por sua sucessora, a Academia de Belas-Artes. A partir de 1725, foi realizado no Salon Carré do Louvre, que lhe deu o nome, diz a Tate. Por volta de 1860, tantos artistas eram recusados que, em 1863, o governo criou para eles um Salão dos Recusados à parte. O Museu d’Orsay observa que o Salão, visto por muito tempo como a casa da arte acadêmica, na verdade deixava competir tipos de pintura muito diferentes.

Fontes: Tate: Salon · National Gallery (Londres): The Salon (glossário) · Museu d’Orsay (Google Arts & Culture)

A pintura histórica é uma pintura com uma história séria tirada da Bíblia, da mitologia, da literatura ou do passado, e as academias a punham acima de qualquer outro gênero. A National Gallery, de Londres, a chama de ponto culminante da formação de um pintor acadêmico e de equivalente à epopeia ou à tragédia na literatura, e a Tate diz que o estilo considerado adequado para ela era o “grande estilo”, clássico e idealizado. Os Romanos da Decadência, de Couture, que o Museu d’Orsay chama de pintura histórica feita para transmitir uma mensagem moral, é um exemplo famoso.

Fontes: National Gallery (Londres): History paintings (glossário) · Tate: History painting · Museu d’Orsay (Google Arts & Culture)

Os pintores acadêmicos trabalhavam no ateliê e davam às pinturas uma superfície lisa e polida; os impressionistas pintavam ao ar livre, depressa, em toques de cor separados, para captar os efeitos mutáveis da luz. A arte acadêmica era feita para o Salão oficial, enquanto os impressionistas fizeram suas próprias exposições de grupo em Paris de 1874 a 1886, diz a Tate. Naquela época, segundo a Tate, as academias usavam o monopólio das grandes exposições para resistir ao impressionismo e aos movimentos que vieram depois dele.

Fontes: Tate: Impressionism · Tate: Academy · Clark Art Institute: Nineteenth-Century European Paintings, cat. 33

O neoclassicismo foi, nas palavras da Tate, uma forma particularmente pura de classicismo surgida por volta de 1750; o academicismo é o estilo oficial das academias, que nasceu desse ensino clássico e encheu os Salões de meados ao fim do século XIX. Os acadêmicos tardios misturavam livremente suas fontes: o Museu d’Orsay diz que O Nascimento de Vênus, de Cabanel, combina referências a Ingres com uma maneira de pintar do século XVIII, num espírito eclético típico do Segundo Império. Os dois olhavam para a Antiguidade e para Rafael.

Fontes: Tate: Neoclassicism · Museu d’Orsay (Google Arts & Culture) · National Gallery (Londres): Art academies (glossário)

A ruptura veio porque as academias se tornaram conservadoras e tentaram barrar a arte nova: a Tate diz que elas resistiram ao naturalismo, ao realismo e ao impressionismo até que os artistas as contornassem com exposições próprias e marchands, e “acadêmico” passou a significar antiquado. Em 1863 o governo abriu o Salão dos Recusados, e de 1874 a 1886 os impressionistas fizeram suas próprias exposições. Os críticos também atacaram o acabamento polido; o Clark Art Institute cita queixas contra a “suavidade estereotipada” de Bouguereau. Hoje sua reputação se recuperou, e o Museu de Belas Artes de Houston diz que a fama dele voltou a crescer.

Fontes: Tate: Academy · Clark Art Institute: Nineteenth-Century European Paintings, cat. 33 · Museu de Belas Artes de Houston (Google Arts & Culture) · Tate: Salon · Tate: Impressionism

Sim. Todos os pintores citados aqui morreram até 1941, por isso suas pinturas estão em domínio público nos Estados Unidos e nos países onde o direito autoral termina 70 anos após a morte do artista. Você pode baixá-las grátis e usá-las para qualquer fim, inclusive em projetos comerciais. Alguns países têm regras próprias sobre fotografias de obras de arte; verifique-as se for publicar fora dos Estados Unidos.

Fontes: Biblioteca da Universidade Cornell: Copyright Term and the Public Domain