Als Eugène Delacroix Medea, die im Begriff ist, ihre Kinder zu töten 1862 im Salon ausstellte, waren die Kritiker von der rohen Gewalt und der psychologischen Intensität schockiert, die zur Schau gestellt wurde. Das Thema—Medeas Mord an ihren eigenen Söhnen—verfolgte europäische Künstler seit Jahrhunderten, doch Delacroix' Vision war so verstörend, dass einige Zuschauer Berichten zufolge weggeschaut haben. Sogar Charles Baudelaire, ein Bewunderer Delacroix', beschrieb das Gemälde als "schrecklich und großartig." Das Werk gilt als eines der letzten großen mythologischen Gemälde des Künstlers, das nur ein Jahr vor seinem Tod entstand. Im Zentrum des Gemäldes hält Medea ihre beiden Kinder, ihr Körper ist in Verzweiflung verdreht, während sie sich vor unsichtbaren Verfolgern zurückzieht.

Der Moment, den Delacroix wählte, ist der Augenblick vor dem tödlichen Akt, als Medea, von Jason verraten, in die Enge gedrängt wird und keinen Ausweg sieht außer der Rache. Die verängstigten Gesichter der Kinder stehen im Kontrast zu der wilden, gequälten Miene ihrer Mutter; ihr Arm, angespannt und muskulös, schwingt das Messer, während ihre andere Hand die Jungen festhält. Das dramatische Spiel von Licht und Schatten verstärkt das Gefühl des drohenden Unheils und zeigt Medea sowohl als Opfer als auch als Täterin.

Im Gegensatz zu Medea und ihren Kindern von Jacques-Louis David ist Delacroix' Komposition chaotisch und turbulent, wobei die Emotion über die klassische Ordnung betont wird. Das genaue Medium von Medea, die im Begriff ist, ihre Kinder zu töten, wird in den Aufzeichnungen nicht immer angegeben, obwohl allgemein angenommen wird, dass es sich um Öl auf Leinwand handelt, was für die großformatigen Werke von Delacroix typisch ist. Die frühe Geschichte des Gemäldes ist nicht vollständig dokumentiert, aber es wurde vom französischen Staat erworben und gelangte in den Musée du Louvre, wo es bis heute bleibt. Als eines von Delacroix' letzten mythologischen Themen verkörpert es seine lebenslange Faszination für Drama und Farbe sowie seinen Bruch mit der neoklassizistischen Zurückhaltung seiner Vorgänger.

Das Gemälde bleibt ein Bezugspunkt für Diskussionen über Gewalt, Mutterschaft und die expressive Kraft der romantischen Kunst.