Lorsque Artemisia Gentileschi a peint Vénus et Cupidon (Vénus endormie) en 1627, elle était déjà renommée pour ses interprétations audacieuses de la mythologie et de l'histoire, mais cette œuvre se distingue par ses origines mystérieuses et le débat qu'elle a suscité parmi les chercheurs. Contrairement à ses héroïnes bibliques dramatiques, ici Gentileschi se tourne vers un sujet mythologique plus intime, et pendant des siècles, l'attribution de la peinture a été remise en question, certains l'attribuant à son père, Orazio Gentileschi. Ce n'est que par une étude minutieuse du coup de pinceau et de la composition au cours des dernières décennies qu'Artemisia a été fermement rétablie en tant que créatrice, mettant en lumière son approche unique de la forme féminine. La toile capture Vénus dans un moment de sommeil profond, son corps détendu et vulnérable, tandis que Cupidon plane à proximité, retirant délicatement une chaîne de perles de son cou.

Ce n'est pas la déesse de l'amour triomphante, mais une femme au repos, sa sensualité sans défense et sans pose. Les perles — symboles de beauté et de désir — sont manipulées avec une tendresse qui déplace la scène d'une exposition érotique à une rêverie privée. L'utilisation par Artemisia d'une lumière chaude et dorée caresse la peau de Vénus, invitant le spectateur à l'intimité silencieuse du moment.

Contrairement à la célèbre Vénus d'Urbino de Titien, où la déesse rencontre le regard du spectateur, la Vénus de Gentileschi est perdue dans ses rêves, son pouvoir non diminué mais son agence au repos. L'histoire précoce de Vénus et Cupidon (Vénus endormie) n'est pas entièrement documentée ; elle est probablement restée entre des mains privées pendant des générations, typique des œuvres mythologiques peintes pour des collectionneurs exigeants à l'époque du Baroque. L'attribution de la peinture à Artemisia n'a été solidifiée qu'à la fin du XXe siècle, alors qu'un nouvel intérêt pour sa carrière a conduit à un examen plus attentif des œuvres précédemment éclipsées par ses contemporains masculins. Aujourd'hui, elle est reconnue comme un exemple clé de sa capacité à réinterpréter des thèmes classiques à travers un prisme distinctement personnel, et elle est exposée comme un témoignage de son art dans la collection publique du Musée des Beaux-Arts de Virginie.

La peinture continue d'inspirer des discussions sur l'attribution, le genre et les limites du mythe dans l'art.