Quando Artemisia Gentileschi dipinse Venere e Cupido (Venere addormentata) nel 1627, era già rinomata per le sue audaci interpretazioni della mitologia e della storia, ma quest'opera si distingue per le sue origini misteriose e il dibattito che ha suscitato tra gli studiosi. A differenza delle sue drammatiche eroine bibliche, qui Gentileschi si rivolge a un soggetto mitologico più intimo, e per secoli l'attribuzione del dipinto è stata messa in discussione, con alcuni che la attribuivano a suo padre, Orazio Gentileschi. Solo lo studio attento della tecnica e della composizione negli ultimi decenni ha ristabilito fermamente Artemisia come creatrice, evidenziando il suo approccio unico alla forma femminile. La tela cattura Venere in un momento di profondo sonno, il suo corpo rilassato e vulnerabile, mentre Cupido fluttua nelle vicinanze, rimuovendo delicatamente una collana di perle dal suo collo.

Questa non è la dea dell'amore trionfante, ma una donna in riposo, la sua sensualità non protetta e senza pose. Le perle — simboli di bellezza e desiderio — sono trattate con una tenerezza che sposta la scena da una mostra erotica a una rêverie privata. L'uso da parte di Artemisia di una luce calda e dorata accarezza la pelle di Venere, invitando lo spettatore all'intimità silenziosa del momento.

In contrasto con la celebre Venere di Urbino di Tiziano, dove la dea incontra lo sguardo dello spettatore, la Venere di Gentileschi è persa nei sogni, il suo potere non diminuito ma la sua agenzia in riposo. La storia precoce di Venere e Cupido (Venere addormentata) non è completamente documentata; probabilmente è rimasta in mani private per generazioni, tipico delle opere mitologiche dipinte per collezionisti esigenti nel periodo del Barocco. L'attribuzione del dipinto ad Artemisia è stata consolidata solo alla fine del XX secolo, poiché il rinnovato interesse per la sua carriera ha portato a un esame più attento delle opere precedentemente oscurate dai suoi contemporanei maschili. Oggi è riconosciuta come un esempio cruciale della sua capacità di reinterpretare temi classici attraverso una lente distintamente personale, ed è appesa come testimonianza della sua arte nella collezione pubblica del Museo delle Belle Arti della Virginia.

Il dipinto continua a ispirare discussioni su attribuzione, genere e i confini del mito nell'arte.