En 1645, Francisco de Zurbarán a reçu une commande remarquable : peindre un cycle des douze fils de Jacob, les patriarches des tribus d'Israël, pour le Monastère de Guadalupe. Cette série, rare dans l'art occidental, était destinée à décorer la sacristie et à servir de méditation sur les racines de la foi et de la lignée. Issacar est l'une des rares œuvres survivantes de cet ensemble ambitieux ; d'autres ont été perdues ou dispersées au fil des siècles, faisant de chaque toile restante un lien précieux avec la vision originale. Dans cette peinture, Zurbarán capture Issacar à un moment de résistance tranquille, s'appuyant sur la bénédiction biblique dans la Genèse : "Issacar est un âne fort, couché entre deux fardeaux." La figure est assise, ancrée et contemplative, drapée dans des robes aux tons terre qui évoquent l'humilité et le travail associé à sa tribu.

L'utilisation caractéristique de la lumière et de l'ombre par l'artiste sculpte les traits et les mains d'Issacar, soulignant à la fois la force physique et la résignation. Contrairement aux interprétations plus dramatiques d'artistes comme Rembrandt, l'Issacar de Zurbarán est digne et immobile, le regard baissé, incarnant la patience et l'acceptation plutôt que la lutte. Le destin de Issacar après sa création est en partie enveloppé de mystère, comme une grande partie de la série originale. Alors que le Monastère de Guadalupe a conservé plusieurs des patriarches, d'autres ont été dispersés lors des bouleversements du XIXe siècle.

Aujourd'hui, Issacar se dresse comme un témoignage de l'engagement profond de Zurbarán envers les thèmes bibliques dans la phase ultérieure de sa carrière, lorsqu'il a été célébré pour sa capacité à insuffler aux figures religieuses un sens de présence vivante. Le parcours de la peinture d'un cadre monastique au mur du musée reflète les marées changeantes du goût et de l'histoire, mais son pouvoir silencieux perdure.