Aucun autre artiste de l'ère du Rococo ne s'est autant réjoui de transformer le mythe en flirt que François Boucher, et nulle part cela n'est plus évident que dans L'amour moissonneur (Cupidon en tant que moissonneur). Le titre de la peinture suggère à lui seul une contradiction ludique : le dieu de l'amour, plus souvent vu avec des flèches, manie ici une faucille parmi des gerbes de blé. Bien que la date exacte et la commande de cette œuvre restent incertaines, il est connu que Boucher est revenu à la figure de Cupidon à plusieurs reprises, produisant de nombreuses variations pour des mécènes aristocratiques désireux d'esprit et de sensualité dans leur décoration.

La popularité durable de telles scènes témoigne du goût du Paris du milieu du XVIIIe siècle, où l'allégorie et les jeux amoureux étaient prisés tant dans les salons que dans les boudoirs. Dans cette scène, Cupidon, rose et dodu, fait une pause dans un champ doré, laissant de côté son carquois au profit de la faucille d'un moissonneur. Le moment est celui d'une transformation espiègle : l'amour, semble-t-il, n'est pas seulement une question de flèches mais aussi de récolte, suggérant que le romantisme, tout comme le grain, doit être semé et moissonné. Le blé et les coquelicots éparpillés à ses pieds ne sont pas de simples décorations ; ils font allusion à la fertilité et au plaisir éphémère, motifs communs dans le répertoire de Boucher.

La palette douce et lumineuse et le coup de pinceau léger évoquent la sensualité aérienne de Jean-Honoré Fragonard dans son Le Balançoire ultérieur, cependant, Cupidon de Boucher est moins secret, invitant ouvertement le spectateur à son travail ludique. Chaque détail, de la draperie flottante au sourire taquin, transforme un dieu classique en une créature de délice rococo. Le parcours précis de L'amour moissonneur à travers les collections n'est pas entièrement documenté, un sort partagé par de nombreuses petites toiles mythologiques de Boucher, souvent commandées pour un plaisir privé et parfois dispersées sans enregistrement. Ce qui est clair, c'est que la peinture incarne le style mature de l'artiste, produite à une époque où sa réputation à la cour française était à son apogée.

La production prolifique de Boucher et la popularité de tels thèmes ont conduit à des copies et des gravures qui ont encore floué les frontières de l'originalité et de la reproduction dans son œuvre. Aujourd'hui, des œuvres comme celle-ci sont prisées comme des expressions essentielles de l'esprit du Rococo, leur charme n'étant pas altéré par le temps, et se trouvent dans des collections publiques et privées à travers l'Europe et au-delà.