Rococó: pintura y arte del estilo rococó

En el arte, el rococó es el estilo ligero, juguetón y muy decorativo que surgió en Francia a comienzos del siglo XVIII, tras la muerte de Luis XIV, como reacción contra la grandiosidad barroca de Versalles. La Tate lo describe como ligero, sensual e intensamente decorativo, un estilo de curvas cortas, volutas y contracurvas. El vocabulario de arte del Getty añade la opulencia, la asimetría, la gracia, la alegría y una paleta clara, en contraste con las formas más pesadas y los colores más oscuros del barroco.

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El estilo rococó es ligero, curvo y juguetón: colores pastel, curvas asimétricas en forma de C y de S, conchas y flores, y temas de amor, ocio y mitología. La National Gallery de Londres dice que en él dominan la asimetría, las formas curvas y los colores claros y luminosos. La Colección Wallace añade que el rosa y el turquesa eran los tonos favoritos, que los pastores y pastoras rústicos eran un tema predilecto y que los asuntos coquetos y frívolos van de Watteau a Fragonard, pasando por Boucher.

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El rococó surgió en Francia hacia 1715, en la corte de Luis XV, y pasó de moda hacia la década de 1780. La Tate dice que se desarrolló tras la muerte de Luis XIV, en 1715, como reacción contra la grandiosidad barroca de Versalles, y la National Gallery de Londres lo asocia al reinado de Luis XV (1715–1774). Desde Francia se extendió por Europa: fue popular también en Italia, el sur de Alemania, Austria y Rusia, según la Colección Wallace, y el pintor Philip Mercier lo llevó a Gran Bretaña, dice la Tate. En la década de 1780 lo sustituyó el neoclasicismo.

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El rococó debe su nombre a la rocaille, la palabra francesa para la decoración de rocas y conchas de las grutas y fuentes artificiales. La Colección Wallace dice que la palabra se usó por primera vez a comienzos de la década de 1730 para todo lo exagerado, asimétrico o irregular, y solo después para el estilo de moda. La National Gallery de Londres señala que los críticos neoclásicos de finales del siglo XVIII usaron la etiqueta como un insulto.

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Ningún artista inició el rococó por sí solo: empezó en Francia como un estilo de decoración de interiores, y los pintores lo adoptaron. En la pintura, el primero fue Jean-Antoine Watteau. La National Gallery de Londres dice que inventó la fiesta galante y que la Academia francesa creó una nueva categoría para su «Embarque para Citera» en 1717. La Tate considera a Watteau, François Boucher y Jean-Honoré Fragonard los pintores que mejor representan el estilo.

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El barroco es el estilo grandioso y dramático del siglo XVII; el rococó, nacido en la Francia de comienzos del XVIII, es más ligero, más íntimo y más juguetón. La Tate describe el barroco como dinámico y realista, muy unido a la Contrarreforma católica, y el rococó como una reacción contra la grandiosidad barroca de Versalles. El Getty contrapone la paleta clara del rococó a las formas más pesadas y los colores más oscuros del barroco.

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El rococó es curvo, colorista y frívolo; el neoclasicismo, que lo sustituyó, es severo y moralmente serio, con la Grecia y la Roma antiguas como modelo. La Tate fecha el neoclasicismo desde hacia 1750, alimentado por el descubrimiento de Pompeya y por la historia del arte antiguo de Winckelmann. La Colección Wallace dice que en la década de 1780 las curvas asimétricas del rococó habían dejado paso a las líneas limpias y claras y a los colores primarios del neoclasicismo.

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Los pintores del rococó más importantes son Jean-Antoine Watteau, François Boucher y Jean-Honoré Fragonard en Francia, los tres que la Tate cita como modelos del estilo. Les siguen Jean-Siméon Chardin, Jean-Marc Nattier y Élisabeth Vigée Le Brun en Francia; Giovanni Battista Tiepolo en Italia, al que la National Gallery de Londres considera el mayor pintor rococó italiano, y William Hogarth y Thomas Gainsborough en Gran Bretaña, donde la Tate sigue la influencia del estilo.

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Las obras más famosas del rococó son «El columpio» de Fragonard, en la Colección Wallace de Londres, que según el museo ha marcado profundamente la imagen del arte rococó; el «Embarque para Citera» de Watteau, en el Louvre, con el que la Academia francesa creó en 1717 la categoría de la fiesta galante; la «Muchacha leyendo» de Fragonard, en la National Gallery of Art de Washington; «El señor y la señora Andrews» de Gainsborough, en la National Gallery de Londres, y la «Diana saliendo del baño» de Boucher, también en el Louvre.

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Sí. Giovanni Battista Tiepolo, al que la National Gallery de Londres considera el mayor pintor rococó italiano, se trasladó a España en 1762 y murió allí, y el francés Louis-Michel van Loo pintó en 1743 «La familia de Felipe V», hoy en el Museo del Prado, como «Carlos III comiendo ante su corte» (hacia 1775) del madrileño Luis Paret. Y Goya empezó en el rococó: la misma galería dice que su obra va del estilo rococó de sus primeros cartones para tapices a obras como «El 3 de mayo de 1808». Uno de ellos es «El quitasol» (1777), cartón para un tapiz del comedor de los príncipes de Asturias en El Pardo.

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Una fiesta galante es una pintura de damas y caballeros elegantemente vestidos que coquetean, bailan y tocan música en un parque, el tipo de cuadro que inventó Watteau. La National Gallery de Londres las describe como pequeñas pinturas de gabinete que exploran la psicología del amor, casi siempre en un paisaje, y dice que la Academia francesa creó la nueva categoría cuando Watteau presentó su «Embarque para Citera» en 1717. Nicolas Lancret y Jean-Baptiste Pater continuaron el tema.

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«El columpio» muestra a una joven en un columpio, empujada por un hombre mayor, mientras su admirador la mira desde los arbustos. La Colección Wallace, que lo conserva, remonta el cuadro a un encargo de 1767: un caballero de la corte quería que pintaran a su amante en un columpio empujado por un obispo, y a él mismo admirando sus piernas; el pintor Doyen se negó y propuso a Fragonard. En el cuadro final el hombre mayor ya no es un clérigo, y una estatua de Cupido de Falconet comenta la historia.

Fuentes: Colección Wallace

Sí. Todos los pintores de nuestra selección murieron, como muy tarde, en 1842, así que sus obras son de dominio público en Estados Unidos y en los países donde los derechos de autor terminan 70 años después de la muerte del artista. Puedes descargarlas gratis y usarlas para lo que quieras, también en proyectos comerciales. Algunos países tienen normas propias sobre las fotografías de obras de arte, así que consúltalas si publicas fuera de Estados Unidos.

Fuentes: Biblioteca de la Universidad Cornell: Copyright Term and the Public Domain