Pintura holandesa del siglo XVII: el Siglo de Oro neerlandés

El Siglo de Oro de la pintura holandesa es la pintura de la República de las Provincias Unidas en el siglo XVII, cuando los pintores, que trabajaban para compradores particulares y no para la Iglesia, hicieron retratos realistas de ciudadanos, escenas de la vida cotidiana, paisajes y bodegones. El vocabulario de arte del Getty sitúa el Siglo de Oro neerlandés entre la Tregua de los Doce Años, de 1609, y la muerte del príncipe Guillermo III en 1702 o la Paz de Utrecht de 1713. La National Gallery de Londres explica que tras la Reforma protestante las iglesias holandesas dejaron de encargar cuadros.

Fuentes: Getty AAT: Dutch Golden Age · National Gallery de Londres: Rembrandt

La pintura holandesa del siglo XVII retrata con realismo el mundo de los propios pintores: retratos de vecinos de la ciudad, interiores tranquilos, la vida cotidiana, paisajes bajo cielos amplios, el mar y bodegones, pintados con gran atención a la luz y a las texturas. Muchos pintores se especializaron en un solo tipo de tema: las escenas de la vida campesina y urbana fueron especialmente apreciadas en los Países Bajos del siglo XVII, dice la National Gallery de Londres, y señala que el bodegón fue especialmente popular en los Países Bajos del siglo XVII.

Fuentes: National Gallery de Londres, glosario: Genres · National Gallery de Londres, glosario: Still lives

El Siglo de Oro neerlandés fue el siglo XVII: el Getty lo fecha desde la Tregua de los Doce Años, de 1609, hasta la muerte del príncipe Guillermo III en 1702 o la Paz de Utrecht de 1713. Las pinturas famosas de nuestra selección van del paisaje invernal de Hendrick Avercamp, de hacia 1608, a «El molino de Wijk bij Duurstede» de Jacob van Ruisdael, de hacia 1668–1670, los dos en el Rijksmuseum. Algunos pintores de la época siguieron trabajando en el siglo siguiente: Rachel Ruysch firmó un bodegón de flores en 1716.

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El Siglo de Oro de la pintura holandesa nació del comercio y la riqueza: en el siglo XVII los Países Bajos se convirtieron en uno de los países más poderosos e influyentes de Europa y del mundo, señala el Getty. Ámsterdam era el puerto más próspero del norte de Europa, dice la National Gallery de Londres, y un cuadro de Adam Willaerts del Rijksmuseum muestra a holandeses y españoles luchando por un bastón de oro que simboliza el dominio de los mares y, con él, del comercio. Sin encargos de las iglesias protestantes, los pintores vendían a particulares y muchos se especializaron en retratos, escenas cotidianas, paisajes o bodegones.

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En parte: pertenece a la época del barroco, pero gran parte de ella no parece barroca. El Getty la clasifica entre los estilos renacentistas y barrocos de los Países Bajos, y la National Gallery de Londres llama a «El festín de Baltasar» de Rembrandt una pintura de historia barroca. Pero el museo reserva el término para obras grandes y dramáticas, en diagonal y pensadas para impresionar, como las de Rubens, mientras que la mayoría de los holandeses vendían retratos, escenas cotidianas, paisajes y bodegones a particulares. Algunos trajeron el drama de Italia: Gerrit van Honthorst volvió de Roma a Utrecht en 1620 y popularizó en Holanda el estilo de Caravaggio.

Fuentes: Getty AAT: Dutch Golden Age · National Gallery de Londres: Rembrandt · National Gallery de Londres, glosario: Baroque · National Gallery de Londres: Gerrit van Honthorst

Los pintores holandeses más famosos del siglo XVII son Rembrandt, Johannes Vermeer y Frans Hals, a quienes, según el Rijksmuseum, se consideró durante mucho tiempo los tres grandes de la pintura holandesa de ese siglo. A su alrededor trabajaron especialistas que describe la National Gallery de Londres: Jan Steen, con sus ingeniosas escenas domésticas moralizantes; Pieter de Hooch, con mujeres y niños en casa; Jacob van Ruisdael y Aelbert Cuyp en el paisaje; Gerard ter Borch, con sus rasos y sedas; Carel Fabritius, el discípulo más innovador de Rembrandt, y los pintores de bodegones Willem Claesz. Heda y Willem Kalf.

Fuentes: Rijksmuseum: exposición Frans Hals (nota de prensa) · National Gallery de Londres: Jan Steen · National Gallery de Londres: Pieter de Hooch · National Gallery de Londres: Jacob van Ruisdael · National Gallery de Londres: Carel Fabritius · National Gallery de Londres: Gerrit Dou

Sí. Las pintoras más conocidas del Siglo de Oro neerlandés son Judith Leyster y Rachel Ruysch. Leyster ingresó como maestra en el gremio de San Lucas de Haarlem en 1633, lo que según el Rijksmuseum la convirtió en la primera mujer maestra pintora de los Países Bajos en el siglo XVII; su «Proposición» está en el Mauritshuis. Ruysch, pintora de flores, fue pintora de la corte del elector palatino en Düsseldorf de 1708 a 1716, dice la National Gallery de Londres, y el Rijksmuseum la llama una de las pintoras de bodegones de flores más célebres de la Europa de su tiempo.

Fuentes: Rijksmuseum · Mauritshuis (Google Arts & Culture) · National Gallery de Londres: Judith Leyster · National Gallery de Londres: Rachel Ruysch · Rijksmuseum

Un bodegón o naturaleza muerta holandés del siglo XVII es una pintura de objetos como comida, flores, vajilla y libros, un tema tan popular en los Países Bajos de ese siglo que el término inglés still life viene del neerlandés stilleven, dice la National Gallery de Londres. Muchos encierran un mensaje de vanitas sobre la vanidad de la vida terrenal: en el «Bodegón vanitas con el Espinario» de Pieter Claesz, una calavera y unos huesos yacen entre libros, una armadura e instrumentos musicales, y el Rijksmuseum lee su mensaje como «el mundo es pura ilusión y fugacidad».

Fuentes: National Gallery de Londres, glosario: Still lives · National Gallery de Londres, glosario: Vanitas · Rijksmuseum · Rijksmuseum · National Gallery de Londres: Willem Kalf

La pintura de género representa escenas de la vida cotidiana, y fue especialmente apreciada en los Países Bajos del siglo XVII, donde muchos artistas se especializaron en ella, dice la National Gallery de Londres: la vida campesina en la obra de Adriaen Brouwer y Adriaen van Ostade, y la de la clase media urbana en Gerard ter Borch, Gabriel Metsu y Vermeer. Muchas encierran un mensaje. En «La familia alegre» de Jan Steen, una nota sobre la repisa de la chimenea dice «Como cantan los viejos, así pían los jóvenes», una advertencia, explica el Rijksmuseum, contra los padres que dan mal ejemplo.

Fuentes: National Gallery de Londres, glosario: Genres · Rijksmuseum

Vermeer pintaba escenas tranquilas de la vida doméstica con una luz diurna suave y uniforme. La National Gallery de Londres describe la característica luz nacarada de sus escenas de madurez, en las que la colocación cuidadosa de los objetos y un espacio arquitectónico bien definido llevan la mirada hacia el interior del cuadro, y a veces un cuadro dentro del cuadro revela el significado. El Rijksmuseum añade que registraba la luz con una precisión extraordinaria: en «Mujer de azul leyendo una carta» pintó la piel en gris pálido y las sombras de la pared en azul claro. Solo se conocen unas 35 pinturas suyas.

Fuentes: National Gallery de Londres: Johannes Vermeer · Rijksmuseum · Rijksmuseum

Rembrandt pintaba con un claroscuro dramático y, en su madurez, con una pincelada gruesa y libre. La National Gallery de Londres dice que en la década de 1630 adoptó la iluminación dramática creada por Caravaggio y encontró una nueva forma de describir los rostros con juegos de luz y sombra, con sombras alrededor de los ojos que dan a sus retratos la impresión de una mente viva y pensante; sus cuadros tardíos usan pinceladas anchas, a veces aplicadas con espátula, y están pensados para verse a distancia.

Fuentes: National Gallery de Londres: Rembrandt · Rijksmuseum

En España, el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid reúne un conjunto sobresaliente de pintura holandesa del siglo XVII, una escuela poco representada en otras colecciones españolas, según el propio museo, con obras de Frans Hals, Rembrandt, Nicolaes Maes, Jacob van Ruisdael y Willem Kalf, como el «Autorretrato con gorra y dos cadenas» de Rembrandt (h. 1642–1643). El Museo del Prado conserva un Rembrandt, «Judit en el banquete de Holofernes» (1634), que procede de la Colección Real. Las grandes obras de nuestra selección están en el Rijksmuseum de Ámsterdam y el Mauritshuis de La Haya.

Fuentes: Museo del Prado: Judit en el banquete de Holofernes · Museo Nacional Thyssen-Bornemisza: Flemish, Netherlandish and Dutch Painting in the collection · Museo Nacional Thyssen-Bornemisza: Rembrandt, Self-portrait wearing a hat and two Chains · Museo Nacional Thyssen-Bornemisza: Frans Hals, Family Group in a Landscape · Rijksmuseum · Mauritshuis (Google Arts & Culture)

Sí. Todos los pintores de esta página murieron en 1750 o antes, así que sus obras son de dominio público en Estados Unidos y en los países donde los derechos de autor terminan 70 años después de la muerte del artista. Puedes descargarlas gratis y usarlas para lo que quieras, también en proyectos comerciales. Algunos países tienen normas propias sobre las fotografías de obras de arte, así que consúltalas si publicas fuera de Estados Unidos.

Fuentes: Biblioteca de la Universidad Cornell: Copyright Term and the Public Domain